Андрей Данилов умеет делать сложное понятным. При этом не упрощает, а предлагает взглянуть иначе. И прийти к пониманию через практику.

Наше заочное знакомство началось с вебинара о графической экспликации, который посмотрел в ожидании книги. О теме вебинара до этого момента что-то слышал, но спустя несколько дней адаптации идей на практике, стал лучше понимать как устроена музыка одного из вдохновляющих меня музыкантов (и все это сильно расширило мое понимание работы с референсным треком, которую считаю одной из лучших практик самообучения).

Ну а книга «Ум, голос и пальцы» буквально за пару (продолжительных) вечеров произвела тектонический сдвиг в моих взаимоотношениях с музыкой (и регулярно поддерживает погружение на уместную глубину).

В один из следующих вечеров написал Андрею. Поблагодарил и поделился впечатлением. Андрей ответил. Так началась наша беседа о музыке, жизни и творчестве на фоне повседневности...

Данилов Андрей. 34 года.

Музыкант, профессиональный исполнитель, композитор, саунд-дизайнер, преподаватель — лидер образовательного модуля «Теория музыки и Музыкальная композиция» в Moscow Music School

Занимаюсь музыкой с 14 лет. Отец двоих детей.

Интересы: время, число, звук, геометрический узор, психология творчества, философия искусства, йога, религия, одиночество, живопись и кино, тишина, танец, парадокс, шум, человек, вибрация, энтропия, любовь, перевод и передача, змея, семиотика, фрактал, сексуальный союз, слово, игра, случайность, безумие и абсурд, колокол, пограничные состояния, инструмент, ваджра, цвет и свет, форма, фигура учителя, традиция, русский космизм, свобода, ритуал, отношение, изнаночная сторона, жертва, дерево, баланс, призвание, дыхание, поток, смерть и так далее…

YouTube | Инcтаграм | Behance | Телеграм

Существует так много прекрасных «определений», что такое музыка! В какой-то момент я начал их даже коллекционировать – и я считаю, что это очень верный подход, ведь не может же быть какой-то одной точной формулировки, истинной для всех и во все времена. Например мне очень нравится средневековое определение музыки как «расстояние между ми и фа» – но это не так просто переложить на современные реалии и понять о чем идет речь. Сегодня я бы сказал так: музыка это некий особый, вибрационный язык, тайное, невербальное пространство общения духа с его источником – это место их совозникновения, наряду с самим временем. Ключом к их вневременной встрече является звук.

Музыка началась со мной до того как я это понял. Я вообще глубоко убежден, что музыку мы открываем для себя еще на этапе эмбриогенеза, если не раньше) Но первым существенным источником, который я помню, стал конечно же мой отец – он включал мне преимущественно группу Queen и это был первый музыкальный коллектив, который я полюбил всей душой. Есть и тайные источники – в нашей семье на стене всегда висела гитара, говорят на ней в молодости играла моя мама, но я этого никогда слышал – а к висящей на стене гитаре только лишь изредка прикасался, чтобы струны подергать)

Свой путь к созданию музыки я начал с повторения – в пионерском лагере я познакомился с товарищем, который играл на гитаре – и я стал за ним повторять, он мне показал как брать аккорды. А когда что-то начало получаться, то я стал сразу же пробовать делать что-то свое, чтобы в первую очередь понять как это работает вообще. Т.е. это опять же как в жизни с речью – сначала мы просто слышим речь матери – это просто подарок, затем мы автоматически начинаем повторять за ней, отзываемся, а более менее полноценно говорить мы начинаем уже значительно позже – формулировать же свои мысли осознанно мы начинаем уже в достаточно зрелом возрасте. Но опять же замечу, что издавать сами звуки мы начинаем спонтанно еще до того как повторяем их за матерью – это проявление нашей изначальной творческой потенциальности.

Я взял в руки гитару, потому что мне стало интересно что это такое, я подумал что вообще это круто – а главное это нравится девчонкам ;) В конце концов музыка вышла из берегов и стала для меня метафизическим, религиозным явлением. Отражением высшего творческого начала.

На меня оказало влияние очень много музыкантов из самых разных областей, но подчеркну, что музыка сама по себе оказывает самостоятельное влияние – часто музыканты тут не причём, не стоит это сугубо смешивать и строго отождествлять музыку с музыкантом, который ее исполняет/пишет.

Если говорить именно о музыкантах, а не о музыке, то самое сильное влияние на меня оказали мои музыкальные учителя, конечно же.

В первую очередь я полагаюсь на интуицию. Я могу себе это позволить сейчас и всегда позволял себе это с самого начала ;) Длительное время занимался, и продолжаю заниматься, оттачиванием своего музыкального мастерства в той или иной мере. Это очень важно понимать – чем больше мы «нагружаем» свою нейронную сеть музыкальными навыками – тем лучше, тоньше и острее работает наша интуиция.

В нас заключена безграничная творческая потенциальность с самого начала, но для её проявлений требуются определённые условия. Трудолюбие, дисциплина и создают эти условия. Это самый верный путь.

Художник, будь он музыкант или любой другой творец, по существу своему является проводником, а не создателем. Он скорее подобен кристаллу нежели демиургу – кристалл пропускает свет, окрашивая его всевозможными неповторимыми отблесками и лучами, но только в том случае если он очищен.

Этим очищением в первую очередь является прослушивание разной музыки без предубеждений, а также пение и танец. Далее идут занятия теорией, гармонией, слуховым анализом, музыкальной формой, игрой на инструменте, саунддизайном – набор велик, но сумма всех этих компетенций не является целым.

Целым наше творчество делает интуитивное присутствие! Если же говорить о неких специальных композиционных техниках (которые я никак не смогу раскрыть во всей полноте в этом формате), то наиболее живой композиционной техникой для меня является алеаторический подход – т.е. некая игра с запрограммированной случайностью. Потому что она ближе всего к интуиции.

Далее идут прочие специфические техники, среди которых наиболее существенной для меня является техника многоголосного голосоведения и всевозможные техники организации музыкального времени.

Каждое произведение, по сути, требует пересоздания ритуала создания музыки. Но сущностью любого ритуала является вера. В творчестве нет места страху, неуверенности – только безоговорочная внутренняя необходимость творчества! Всё получится! Это очень тонкий эликсир, приготовить его по сути практически невозможно: единственный путь – это терпение и трудолюбие, о котором я писал выше.

Дело в том, что как только в результате длительного труда (например нескольких лет освоения музыкального инструмента) у нас что-то получается спонтанно сочинить, то это ощущается как подарок! Да на самом деле крупицы этого ощущения возникают намного раньше – еще в процессе обучения. Так вот когда мы вдруг получаем подарок, проходящий прямо через наше существо, то вера зарождается автоматически, понимаете?

Лучшая опора для занятий, т.е. дисциплины и трудолюбия – это живой учитель. Под живым я имею в виду не только физически живого учителя, но и пример любого учителя, который вдыхает в нас такое количество вдохновения и веры, что мы не можем вместить его целиком. Так что вы не ошибетесь) Чтобы превратить уже имеющуюся идею во что-то большее важно изучать законы строения музыкальной формы, слушать классическую/академическую музыку востока и запада.

Я не знаю откуда берутся идеи. Если вы знаете, то это не подлинная идея, а исключительно скомпилированная/концептуальная (это не плохо, но не «оно»). Можно, и очень даже важно, создать некое поле для их проявления, типа мудбордов и т.п.

Вообще, чтобы писать музыку чрезвычайно важно смотреть хорошее авторское кино, читать достойную литературу, изучать живопись и т.д. – т.е. всё, что напрямую не связано с музыкой. Ну и конечно слушать разную музыку, только действительно разную – обычно музыка, её элементы, нас больше всего и вдохновляют)

Ну и конечно люди, общение, единомышленники... Нужно быть открытым к взаимообмену, понимаете? Это как размножение – идеи не рождаются в стерильной среде сами по себе).

Фортепиано - это главный инпут для меня. Затем гитара и уже потом секвенсор (в моём случае Ableton). Помимо моего личного предпочтения здесь есть и чисто физическая/акустическая – и даже физиологическая/психосоматическая сторона вопроса. Что касается фортепиано – то тембр этого инструмента терпит всё! Любая «грязь», диссонанс (т.е. «случайная» ошибка) звучат кристально! Это не случайно – его таким сделали. Долго совершенствовали... В итоге – доступ к огромному прозрачному диапазону с простым звукоизвлечением. Для музыканта это всё равно что рай на земле!

Гитара – значительно более тактильная: палец чувствует вибрацию струны непосредственно, а корпус прилегает к телу. То, что форма гитары напоминает очертания тела – тоже не случайно, это не шутка.

Ну а Ableton для меня в творческом разрезе является в первую очередь бездонным колодцем звуковых эффектов и всевозможных инструментов – целая вселенная звука! Всё таки, как бы ни было прозрачно звучание фортепиано, как бы ни была тактильна гитара – всё же фортепиано будет звучать как фортепиано, а гитара как гитара (и слава богу!). Но секвенсор – это омут саундизайна и обработки.

Вокальная музыка конечно. Оформим это в виде Босховского «Триптиха»: 1) Древне-индийский Дхрупад 2) Христианская полифония 3) Егор Летов и ГО.

Хотя конечно хочется ответить, что ничего бы я не рекомендовал – что было, то было. Уж слишком это гипотетическая ситуация ;) Но, как говорил Чогьял Намкай Норбу Ринпоче: «Сострадание – это принцип того, что необходимо передавать для реализации»...

Это из серии «Что бы вы спросили у Бога, окажись вы перед ним») Получается это уже более личное. Тогда в первую очередь гр.АукцЫон, THE NECKS, и Индийские Раги.

АукцЫон – потому что для меня это самая что ни на есть живая – т.е. бессмертная в плане переживания музыка. И очень русская, это крайне важно. Егора не стал бы брать только потому, что он предназначен больше для индивидуального переживания именно социального поля, а тут я выходит один одинешенек – людей вокруг некого любить... Так что АукцЫон. THE NECKS – для «преходных состояний», т.е. не то чтобы фоном, но и не для созерцательной внимательности – для этого есть индийские раги.

А вообще, положа руку на сердце, ничего бы не взял вообще ни в коем случае.

Нет у меня плейлиста. Я слушаю музыку ситуативно. Вот как раз недавно признался своему близкому другу, тоже музыканту, что послушать музыку для меня это целое событие! Не часто решаюсь.

Послушать музыку некой, скажем так, коренной традиции – уже откровение: я потом буду как удав это переваривать неделями, а то и дольше. Сходить же на живое выступление чего-то подобного – подобно выстрелу в упор, уже не оправишься.

К прослушиванию чего я регулярно возвращаюсь – описано выше. Причиной этому является то, что эта музыка была и остается для меня современной, т.е. своевременной.

Знаете, музыка – это как машина времени: когда-то она отражала твоё настоящее – а затем стала порталом в твое прошлое. Ты не стал её от этого меньше любить: я и сегодня кайфану от Limp Bizkit или Prodigy. Но это уже не твоё настоящее. А бывают вещи – выдерживающие ход твоего времени (часто это совпадает и с ходом общего времени). В этом смысле Бах или Арво Пярт для меня как чистая вода – ни дня не могу прожить без неё, она всегда «акутальна»)

Будущее мне не видится. Во всяком случае я стараюсь его развидеть, там не очень) Но не подумайте – я вообще оптимист. В конечном итоге всё будет просто замечательно, поэтому уже всё хорошо! Но через смерть.

Если же говорить о музыке, то будущего в том виде, в каком мы её (музыку) знаем – у неё нет. В качестве примера можно привести носитель. Носителем музыки всегда был человек (вписанный в природу народник), затем группы людей (духовники и профессиональные музыканты, к примеру). Затем ноты стали носителем – рукопись. Далее грамзапись, магнитная лента, CD. Всё это существовало не как ретроградная мода (винил и сейчас можно купить и слушать), а как конечное тело музыки – ты брал это в руки, у неё была своя материальная форма, тактильность. А материальность чрезвычайно важна для музыки.

Точкой невозврата стал iPod (mp3 плеер). Он уже был хранилищем всего и вся, но по крайней мере музыкальной библиотекой. Сегодня же это только отдельное приложение в корпусе смартфона. Сегодня тело музыки, формат, её носитель, закован в одно общее тело со всей остальной медиа средой – по сути неважно, серфишь ты соцсети или выбираешь трек.

Но это только один пример, чисто физический, наглядный. То же самое происходит и с формой произведения, и с фигурой артиста/музыканта. Это закономерный процесс – далее смерть. А за её порогом перерождение – нечто настолько новое, что лучше не стараться это увидеть. Бесполезно и вредно) Перерождение с одной стороны – это непредставимое, но с другой – это всегда возвращение на круги своя. Спиральная динамика.

Поэтому ключевая тенденция, которая имеет место быть на мой взгляд, сегодня пролегает вообще не в медийной сфере и не в сфере музыкальной индустрии. Это окончательное раскрепощение музыки из предмета искусства – т.е. возвращение её в сферу быта, домашнего, индивидуального времяпрепровождения. Но опять же не в точности так, как это было ранее. И не скоро это. Так всегда происходило: и в истории академической музыки, и в истории музыкальной индустрии – «зарождение андерграунда» если хотите. Просто сейчас это такое критическое возрождение грядёт. Из пепла ИИ.

В этом контексте приведу наверно ещё один наглядный пример – инструментальная область. Что такое музыкальный инструмент? Это материальная совокупность, дающая новый тембр. Сегодня, не смотря на огромное кол-во новых музыкальных инструментов, все они не «выстреливают» и не задерживаются.

Почему? Потому что с момента изобретения синусоидального генератора началась эпоха синтеза, электронной музыки – более не нужно изобретать в физической реальности новый инструмент: достаточно синтезировать новый тембр с помощью синтезатора. Какое-то время аналог сильно опережал по качеству цифровые его аналоги (забавно да?) – но сегодня это гонка закончена. Любой пресет – это новый музыкальный инструмент, понимаете?

А что такое первый музыкальный инструмент? Это человеческий голос. И что мы видим? При всей этой дисперсной динамике, он продолжает выступать на переднем плане. Человеку нужен человек. Но человеческий голос тоже тонет, нищает в океане музыкального преобразования. Но при этом сохраняет лицо. Т.е. это символ как его смерти, так и его перерождения.

В этой связи все эти общие размышления совершенно пространны – ибо важным, как и всегда, остаётся только то, как текущие перемены переживаются каждым отдельным человеческим существом, музыкантом. Вовсе нет никакой нужды в обязательном порядке смотреть исключительно на общую картину – она без нас ничто.

Чтобы лучше понять музыку стоит слушать очень разную музыку и находить в ней с одной стороны ту, что вам больше по душе, а с другой стороны со всей внимательностью относиться к тому, чего общего у всех этих музык, каковы связующие нити.

Также стоит читать ту или иную музыкальную литературу, я бы рекомендовал не столько справочную – для этого хорошо подойдут образовательные видео в сети – сколько биографии и автобиографии музыкантов, курсы лекций, подкасты.

На сайте ИМИ есть перечень крайне любопытных и полезных книг о музыке, причём даже мистического содержания. Со своей стороны я бы отметил такие книги как «Древо музыки», «Мистицизм звука», «Через музыку к себе» и работы В.И. Мартынова.

Вообще, своим студентам для развития музыкального чувства я рекомендую уделять особое внимание как раз не музыкальным институциям – смотреть и разбираться в хорошем авторском кино, читать литературу, поэзию, изучать изобразительное искусство. Но в частности я бы рекомендовал изучить такое явление, как натуральный (обертоновый) звукоряд и теорию строя, вытекающую из него.

Знание теории помогает точно также как чтение документации при использования того или иного инструмента. Незаменимая вещь) Обходиться без документации – это бессознательный, творческий подход импровизационного исследования, и все мы обладаем им с самого начала, его у нас не отнять – поэтому очень важно всегда продолжать действовать в том же роде, не забывать этот спонтанный источник нашей активности. Однако, совершенствовать его плоды крайне проблематично без помощи извне – для этого и существует тексты.

Для создания музыки я отношусь к любому звуковому материалу, в том числе семплам и лупам, совершенно равноправно.

Джемы и импровизации – этот тот редкий случай когда мы можем несколько развить нашу спонтанную активность творческого проявления. Это очень полезно! Пользу в музицировании я вижу колоссальную – от чисто физиологической до духовной.

Если бы у меня была возможность задать некой Вселенской сущности только один вопрос, на который хотел бы получить ответ, то он таков - кто я?

А вот если говорить о вопросе, который остался без ответа, то... Ответа без вопроса не существует ;)

Мое музыкальное кредо? «Люби музыку в себе, а не себя в музыке»

| май, 2024

Все выпуски рубрики «Человек на музыке» вы всегда найдете кликнув по одноименному тегу

«Чтение для практики: заметки и треки» онлайн-курс о том, как идеи и инструменты работы с информацией для практической пользы помогают в написании заметок и создании треков. Курс создан для всех, кому просто нравится писать и музицировать для себя (и иногда делиться всем этим со всеми)

«Онлайн-коворкинг» - cпокойное пространство, в котором вам будет удобно поразмышлять, поработать и отдохнуть, погрузившись в атмосферу звуков и музыки.