ПОЧЕМУ ПРОФИ ДЕЛАЕТ МЕНЬШЕ?
🎙️ О мышлении в звуке и музыке
Почему опытный режиссёр, звукорежиссёр, аранжировщик, вокалист и даже мастеринг-инженер понимает, что зачастую меньшее количество действий приводит к лучшему результату?
Это стандартная классическая ошибка новичков: поначалу мы начинаем искать, что бы ещё такого сделать.
Элементарно: на каждую дорожку влупить эквалайзер, потому что надо же что-нибудь там эквализировать. Что-нибудь срезать, что-нибудь поднять или опустить. На каждую дорожку воткнуть компрессор, потому что везде в интернете, везде в ютубах пишут и всем рассказывают, что компрессор —
это волшебный прибор 🤣
Но зачем это делать на каждой дорожке?
Не надо это делать на каждом вокале, на каждом инструменте, на каждой группе, на каждой шине и так далее.
А то получается, как в том анекдоте: специалист пришёл, взял $10.000 лишь за то, чтобы вбить один гвоздь. Но он знал, куда именно вбить этот гвоздь. И вот за это он взял деньги.
В музыке аналогично.
🎯 Чем точнее наши действия, чем осмысленнее и осознаннее наши действия, тем точнее получается итог и тем лучше результат.
Если мы начинаем бездумно лепить всё подряд, не отдавая себе отчёт, зачем мы это делаем, чаще всего получается просто действие ради действия.
Вот мы поставили эквалайзер, потому что «эквалайзер надо ставить».
А зачем? 🤷🏻♂️
Хорошо, я часто говорю, что надо обрезать низ на инструментах, потому что он мешается. Но я же не говорю обрезать низ на всех и жёстко так, чтобы низа вообще не оставалось. Подрезаем там, где он мешает.
Если у нас есть какой-то низкочастотный паразитный сигнал в инструменте, для которого этот сигнал не является основным, не является обязательным или кому-то мешает — тогда его смело можно резать.
А если мы включаем звук и в общем контексте произведения он сидит нормально и звучит нормально — не обязательно ничего на нём лишний раз править.
Профессионализм — он не в количестве действий, а в осознанности этих действий.
Один из важнейших вопросов, который вообще можно задавать себе во время работы:
— А зачем я сейчас это делаю?
🎚️ ЕСЛИ ЗВУК ХОРОШИЙ — ЗАЧЕМ ЕГО ПОРТИТЬ?
Если звук у нас изначально хороший, если он правильно подобран и отлично живёт внутри произведения — зачем его искусственно портить?
Зачем с ним вообще что-то делать, если он в целом нормальный?
Это в полной мере касается вообще любой обработки: эквализации, компрессии, сатурации и всего остального. Кстати, не только в музыке актуально.
Допустим, я очень люблю винтажный грязный звук. Но столь сильная обработка имеет смысл только в рамках логики тех инструментов, для которых сочная сатурация звучит к месту, на которых она звучит красиво, что-то дополняет в звуке, а не портит его.
То есть наши действия зависят прежде всего от того, какие у нас исходники.
Насколько у нас хорошие звуки? Насколько они адекватны? Насколько они нам нравятся? Насколько они работают на результат?
Если к ним есть вопросы — значит, мы что-то пытаемся править. Если вопросов нет — то зачем? 🤷♂️
К примеру, мои любимые сатурационные обработки, тот самый предварительный процесс, где у меня плёночка, шумодавчик, лампочка, какие-то предварительные небольшие эквализации, компрессия чуть-чуть.
Даже в этом процессе я не к каждой дорожке применяю плёночную обработку. Я не на каждую дорожку ставлю шумодав. Я не на каждой дорожке включаю эквалайзер или компрессор.
У меня может стоять только пультовая сатурация для небольшой краски. Бывает, что какие-то звуки на этапе предварительной обработки вообще оставляю чистыми.
Потому что если звук хороший — его не обязательно «улучшать».
А вот когда у вас плохой исходник, когда есть проблемы — звуки худые, слишком ядовитые или слишком мутные, или избыточно звонкие — то есть имеются к ним вопросы, вот тогда крутим.
Но не потому, что «надо поставить плагин». А потому, что есть конкретная проблема, которую мы хотим решить 🎯
📌 Обработка — это не обязательная процедура. Это инструмент решения конкретной задачи.
🎯 МЫСЛИМ ОТ ТОГО, ЧТО ХОТИМ ПОЛУЧИТЬ
Следующий вопрос: а что мы вообще хотим получить в итоге? Потому что от этого глобально меняются все наши действия.
Элементарно: если у нас с вами аранжировка построена, например, на акустической гитаре, то есть она логично должна быть громкой, яркой, её должно быть хорошо слышно.
Соответственно, мы не можем на ней сильно зажимать эквализацию, сильно резать частотный диапазон — бубнящий низ 200–300 Гц, избыточный звон струн и так далее.
Потому что тогда гитара станет узкой и автоматически, подсознательно, уйдёт на дальний план. А мы с вами делаем акустическую аранжировку. Соответственно, гитара важна на переднем плане.
От этого зависят наши с вами обработки. Местами мы не срезаем, а поднимаем.
А что с компрессией?
Если мы хотим сделать акцент на гитаре, будем пытаться подбирать такую компрессию, чтобы атака была чётко слышна. Но изначально в записи может быть слишком много атаки, слишком сильный удар по струнам — и тогда её хорошо бы сгладить.
А может получиться так, что сама запись изначально хорошая: удачно подобран микрофон и накручен преамп, гитарист играет с достаточно стабильным штрихом.
Компрессор может быть вообще не нужен 🤷🏻♂️
Достаточно нейтрального лимитера, который просто срежет пики.
✅ Другой пример.
Допустим, у нас «живая» аранжировка и в ней много разных акустических инструментов, и есть соло на трубе.
Возможно, имеет смысл его сделать ярким, вопреки тому, что инструмент на самом деле не яркий — в реальном мире, если мы стоим от трубы далеко, звук будет глуховат. Но если это тема, если это соло — ярким оно может прозвучать намного интереснее.
А если мы хотим трубу спрятать, сделать её объёмной, красивой, масштабной — наоборот, низ и верх лучше срезать, оставить только яркую середину и дать много обработки.
Мы не начинаем с вопроса «Какой плагин поставить?»
Мы начинаем с вопроса: «Что я хочу получить?»
И уже потом думаем, каким инструментом и какой техникой этого добиться 🎙️
Получается, одна и та же обработка сама по себе не бывает ни хорошей, ни плохой. Она либо помогает нам решить конкретную задачу, либо нет.
📌 Профессиональное мышление начинается не с инструмента. Оно начинается с того, какую мысль, какую идею, какую эмоцию мы хотим воплотить в музыке 🎶
🎧 ВКУС — ЭТО ТОЖЕ ИНСТРУМЕНТ
Следующий момент, который напрямую влияет на наши действия и сильно отличает новичка от профи — вкус.
Вы крутите что-либо, подбираете тембры на этапе аранжировки, выбираете обработки на этапе сведения, подбираете какие-то плагины на этапе мастеринга — и всё это так или иначе происходит исходя из вашего вкуса к звучанию.
🎚️ К тому, как тембрально вам нравится, как звучит.
📈 К тому, как динамически вам нравится, как звучит.
↔️ Насколько широкими вам нравятся фонограммы.
Вы можете не осознавать это до конца, не делать специально, но ваши действия автоматически будут вести к тому, какое звучание музыки вам нравится.
Соответственно, чем больше у вас опыта и чем шире ваша наслушанность в разных стилях, направлениях и жанрах, тем уникальнее вкусовой слепок, к которому вы пытаетесь «притянуть» все ваши произведения.
По бэк-вокалу — та же история. По акустическим и гитарным аранжировкам — аналогично. Это общая мысль ко всему музыкальному производству как к таковому 🎶
Получается, вы не просто знаете, что эквалайзером можно поднять или опустить какую-то частоту. Вы чувствуете, какой звук вам хочется получить.
Вы слышите определённую фонограмму и понимаете: вот здесь мне нравится эта плотность, здесь эта яркость, здесь такая динамика, здесь такая ширина. И дальше ваши технические действия начинают подчиняться этому представлению.
Поэтому два человека могут открыть один и тот же проект, использовать одни и те же плагины и получить совершенно разный результат.
Потому что плагины — это всего лишь инструменты 🛠️
А решение о том, куда ими двигаться, формируется у вас в голове.
Надеюсь, теперь понятно, почему просто смотреть сотни роликов, как кто-то сводит вокал, гитару или делает мастеринг, недостаточно 📺
Можно знать тысячу технических приёмов. Но если вы не знаете, какое звучание музыки вам нравится, вам сложно понять, какой из приёмов вообще нужен.
Наслушанность — это не просто «много музыки послушал» 🎧
Это способность слышать, что именно вам нравится в этой музыке и почему вы хотите получить что-то похожее в своей работе.
А дальше уже появляется ваш собственный вкусовой слепок 🎯
📌 Чем больше вы слышите и анализируете, тем точнее ваши технические действия начинают соответствовать вашему музыкальному вкусу.
🛠️ ЧЕМ МЕНЬШЕ — ТЕМ БОЛЬШЕ?
Ок, хорошо, мы поняли, что хотим получить, и понимаем свой вкус. Но чем этого добиться?
Вопрос сразу в лоб: насколько хорошо вы знаете свой инструментарий? 🎛️
Ибо если вы только позавчера поставили новую программу и толком не разобрались даже в её встроенных плагинах, ваши действия очень скованы и хаотичны.
Да, вы знаете, что есть такой-то эквалайзер или компрессор, сейчас на нём что-нибудь накрутим.
Но хорошо ли это? Правильно ли? Подходит ли плагин для этой задачи?
Поэтому ваш инструментарий постепенно с годами расширяется.
На каком-то этапе у вас будет условно 100 плагинов, и вы будете всей этой сотней реально пользоваться. Но по мере роста и профессионализма вы сами придёте к тому, что под руками останется всего пять любимых эквалайзеров.
🎯 Не 100, не 20 — пять! Может быть, даже три. Под разные задачи.
Один инженерный, один мягкий, один жёсткий, один сглаживающий, красящий и ещё какой-нибудь особенно необычный.
Несколько штук, которыми вы будете пользоваться из раза в раз. Но вы к этому придёте постепенно, изучая разные плагины, разные инструменты.
То же самое с компрессорами. То же самое с сатураторами и плагинами пространственной обработки, да и с любыми другими.
У меня, к примеру, есть пара реверов, которые я использую уже лет 15–20. Мне нравится, как они звучат. Я знаю, чем их дополнительно обработать, чтобы получить «тот самый» свой любимый звук. Это к вопросу про вкус 🎧
💡 Короче, вы постепенно придёте к тому, что у вас в активном арсенале будет не ворох плагинов, а какое-то осмысленное количество инструментов, которыми вы действительно умеете пользоваться и которым доверяете.
То же самое, кстати, и по синтам в аранжировке.
На каком-то этапе роста аранжировщика, битмейкера идёт жадный поиск синтов и плагинов: качать, качать, качать, качать. Тем более когда есть в доступе «народные» 🤣
Можно скачать 200 плагинов и ни одним из них не пользоваться 🤷♂️
Постепенно вы найдёте те синты, которые вам действительно нравятся и подходят под задачи и стилистику создаваемой музыки.
Даже музыканты в какой-то момент начинают коллекционировать гитары 🎸 Но постепенно понимают, что используют всего две. Две гитары из десяти, которые у них есть, нравятся больше всего, и они их используют чаще всего. В итоге все остальные они продают.
Та же самая история с микрофонами, та же самая история с приборами, с преампами и так далее.
На каком-то этапе вы набираете много. И это нормально. Особенно если есть возможность, есть поток проектов, есть финансы, есть что в это всё вложить — вы можете себе напокупать много приборов, разной акустики, плагинов, всего.
Но постепенно вы будете уменьшать количество того, чем пользуетесь. И придёте к какому-то компактному, лаконичному сетапу, который позволяет получать результат, который вы полностью знаете и которому вы — важно — полностью доверяете.
Это тоже определённая ступенька профессионализма 🎯
📌 Профессионализм не в количестве инструментов, а в том, насколько хорошо вы знаете те инструменты, которые у вас есть, и насколько доверяете результату, который с их помощью получаете.
⏳ ФИШКИ НЕ ДЕЛАЮТ ВАС ПРОФИ
Честно, вы не научитесь мгновенно круто делать аранжировки или круто сводить, петь или строить бэк-вокал — за полгода не прыгнуть выше головы.
Ну не становятся профи за полгода! 🎓
Конечно, вы успели насмотреться ютубчиков, высмотреть там разных плагинов, нахватались каких-то фишек.
Но окей, ребят, а синты и плагины, которые вы накачали? Их же надо попробовать на разных исходниках, на разном материале, попытаться найти какие-то взаимосвязи. Переварить и понять эффективное применение.
Вот у меня есть отличный курс по эквализации и компрессииэквализации и компрессии. Мы там с ребятами делаем два очень интересных задания.
Переберите все свои эквалайзеры и поймите, какой из них какой.
- Какой куда подходит?
- Какой лучше на гитары?
- Какой лучше на вокал?
- Какой лучше на глухой звук?
- Какой лучше на яркий звук?
- Какой нейтральный?
- Какой вообще лучше выбросить, потому что когда его включаешь, всё становится плохо?
И подобное задание с компрессорами 🎛️
Кстати, такую же штуку полезно провести с сатураторами, реверами и другими типами плагинов обработки. Рекомендую!
Вы пробуете, перебираете и постепенно приходите к тому, что вот этот инструмент нравится, а этот — нет. Ваши действия становятся чётче и конкретнее.
Недостаточно просто посмотреть ролик и узнать, что плагин умеет делать. Вы должны попробовать его на разных исходниках.
На хорошем звуке. На плохом звуке. На ярком. На глухом. На вокале. На гитаре. На разных стилях и в разных задачах.
Вот тогда начинают проявляться взаимосвязи.
Вы не просто знаете, что «эта кнопка делает вот это».
Вы понимаете: здесь этот инструмент сработает, а здесь он вообще не нужен.
Это опыт 🎯
💡 Можно посмотреть сотни коротеньких роликов: как сделать вокал как у кого-то, как сделать гитару как у кого-то, как сводить как кто-то. Но вы слышите конечный результат, к которому люди шли годами. К которому они пришли через кучу песен — там 100, 200, 300.
Настоящий результат получается исходя из вашего опыта, анализа, роста и адаптации на каждом произведении.
Модную фишку можно подсмотреть быстро. Плагин можно скачать быстро. Пресет можно скопировать и повторить быстро.
А вот понять, когда это действительно нужно сделать, а когда лучше вообще ничего не делать — это уже совсем другая история 😎
📌 Профессионализм появляется не тогда, когда вы знаете много приёмов, а когда понимаете, какой нужен именно сейчас — и нужен ли вообще.
👀 ВЫХОДИМ ИЗ ПРОЕКТА
Естественно, со временем ко всему этому добавляется продюсерское мышление.
Вы начинаете видеть и замечать многие вещи со стороны. Не находясь внутри аранжировки, не находясь внутри микса, а именно отойдя в сторону и посмотрев на всё это дело целиком — как на некий отдельный самостоятельный проект. Как будто вообще это не вы его делаете.
🚀 «Ага. Вот это здесь надо сделать так. Здесь надо так. Тут я не прав. А вот это интересная штучка».
Подобный навык со временем становится очень важным. Когда вы слишком долго находитесь внутри своего проекта, вы начинаете воспринимать его как набор отдельных дорожек, плагинов, частот, компрессоров, автоматизаций. А если отойти в сторону, вы снова начинаете видеть музыку целиком.
И что интересно, этот взгляд начинает работать даже тогда, когда вы вообще не сидите за компьютером 🎧
Вы просто едете на машине, слушаете какой-то плейлист свежей музыки и вдруг обращаете внимание на какую-то фишку. И понимаете:
💡 «О! Вот эта фишка прекрасно подойдёт в аранжировку, которую я вчера делал. Такой приём можно использовать в пост-продакшн. А эту штуку давайте в бэках споём. Вот это давайте наиграем».
То есть ваш опыт постепенно даёт вам ширину взгляда.
Вы начинаете замечать музыкальные решения намного раньше, а не только когда перед вами открытая песня и вы специально ищете, что бы куда поставить. Вы слышите звук и начинаете «видеть» в своей голове, что из услышанного может сработать в вашем текущем проекте.
Незаметно происходит ещё одна важная вещь.
Чем больше у вас опыта, тем меньше внимания вы уделяете непосредственно технической стороне вопроса. Но не потому, что техника становится неважной. А потому, что вы заранее знаете, как технически получить то, что только что придумали.
Внимание постепенно переключается с вопроса «Как мне это сделать?» на вопрос «А что здесь вообще нужно сделать?» 🎯
Это одна из важных ступеней профессионального роста.
📌 Вы всё меньше думаете о кнопках и всё больше — о музыке, идее и результате.
🛑 ИНОГДА ЛУЧШЕ НИЧЕГО НЕ ДЕЛАТЬ
Почему при большом количестве действий зачастую результат становится всё хуже, хуже и хуже?
Потому что действия должны быть осмысленными.
Не просто «Давайте поставим эквалайзер» или «Давайте сюда лупанём по роялю что-нибудь». А зачем?
- Какую задачу мы хотим решить?
- Какую мысль мы пытаемся воплотить?
- Какую идею развиваем?
- Какую эмоцию мы хотим вызвать?
На этом этапе легко попасть в ловушку, когда вы месяцами возитесь над одной песней. Вы в ней закопались настолько, что уже не слышите разницы. Вы потерялись и забыли, что хотели получить 🤷♂️
Сделайте паузу. Бросьте на время это произведение. Иногда полезно просто отойти от него и дать ушам и голове переключиться. То есть вернёмся к началу и поймём, что конкретно мы хотим сделать.
Ладно, включили произведение, но не понимаем, что не так, или только кажется, что что-то не так — ок, так бывает. У меня также бывает.
Допустим, я пришёл к какому-то звучанию, оставляю произведение «как есть». Потом на следующий день или через день включаешь, слушаешь — есть ли претензии?
И не в смысле «Давайте сейчас что-нибудь улучшим», а именно «Что не так?»:
— До чего я сейчас пытаюсь докопаться?
— Ага. Вот здесь можно попробовать сделать это.
— Здесь — вот это.
— Тут попробовать вот это.
Ок. Залезаешь в проект и пытаешься воплотить именно то, что придумал. Если попутно что-то ещё встретилось — можно пробовать. Но ты изначально понимаешь, зачем полез в произведение.
И я заметил одну интересную особенность.
Чаще всего, когда я «сегодня» что-то делал и пришёл к какому-то знаменателю, то есть у меня появилось чёткое ощущение «в целом нормально» (на эмоциях, на кураже, на драйве что-то докрутил, неважно).
✅ Лучше в этот момент остановиться — пускай «отлежится». На следующий день вы можете послушать и с удивлением обнаружить, что всё и так уже было хорошо.
А если начинаете что-то менять ради «надо же ещё что-нибудь сделать», эти ваши дополнительные несколько часов чаще всего ни на йоту не улучшают произведение 🤪
Да-да, это одна из важнейших и в то же время сложных вещей в творческой работе. Поймать и понять момент, когда уже достаточно.
🛑 Не пытаться исправлять то, что не требует исправления.
🛑 Не добавлять обработку только потому, что у вас есть этот плагин.
🛑 Не менять аранжировку ради какой-то новой фишки.
🛑 Не крутить эквалайзер лишь потому, что давно ничего не крутили.
🎯 Иногда лучший результат получается, когда вы оставляете трек в покое.
💡 В конечном счёте профессионализм — это не количество сделанных действий. Это способность понимать, что именно сейчас нужно сделать, зачем это нужно сделать — и когда уже ничего делать не нужно.
Порой самое профессиональное действие — вовремя остановиться 🛑
И всё-таки: «А зачем?» 🤔
Если свести всё к одной простой мысли, то профессиональный подход — это не про «знать больше плагинов, сделать больше движений мышкой или поставить больше обработки».
Он начинается с простого вопроса: А ЗАЧЕМ?
- Зачем я сейчас это делаю?
- Что я хочу изменить?
- Что хочу услышать?
- Какую задачу решить?
- Какую эмоцию получить?
И если ответа нет — возможно, ничего делать и не надо.
Потому что иногда лучший инструмент звукорежиссёра, аранжировщика или продюсера — это не очередной плагин.
А способность вовремя не нажать на кнопку 🎯
📺 Продолжение темы
Если эта тема вам знакома, рекомендую посмотреть и исходное видео «ПОЧЕМУ ПРОФЕССИОНАЛ ДЕЛАЕТ МЕНЬШЕ?» — там я подробнее разбираю эти принципы на конкретных примерах из аранжировки, сведения и пост-продакшн.
А если хочется посмотреть тему ещё шире, этот ролик вырос из большого прямого эфира «ЗВУК — ЭТО НЕ ПЛАГИНЫ», где мы подробно говорили о профессиональном мышлении, инструментах, обработке, ИИ и о том, почему хороший звук начинается далеко не с выбора плагина.
Наслаждайтесь!
━━━━━━━━━━━━━━
На сегодня всё! Всем бобра, всем удачи и хорошего настроения.
На сегодня всё! Всем бобра, всем удачи и хорошего настроения.
звукорежиссура
продюсирование
мышление
философия
