ВНЕ ЖАНРА 

Early Moods - Ready For The Grave (2026)

Early Moods сформировались в 2015 году, но по-настоящему заявили о себе лишь в начале пандемии, когда вышел их дебютный EP Spellbound. С тех пор группа методично строила репутацию одного из самых преданных хранителей традиционного дума и NWOBHM, выпуская по альбому каждые два года как по часам. Ready For The Grave, их третий полноформатник, вышедший на RidingEasy Records, должен был стать моментом, когда годы оттачивания мастерства и бесконечных туров наконец выливаются в идеальную форму. Формально это именно то, что мы получили: плотный, уверенный, безупречно сыгранный дум-метал, звучащий как письмо из 1983 года, доставленное с курьером из 2026-го.

Продюсером выступил Тоши Касай, известный по работе с Melvins и Tool, и это сотрудничество дало группе то, чего им не хватало раньше — внешний взгляд на материал. Касай добавил звуку плотности и динамики, сохранив при этом сырую энергию живого исполнения. Альбом звучит мощно и просторно одновременно: барабаны Криса Флореса грохочут с почти осязаемой физической силой, бас Эликса Фелисиано заполняет пространство, а гитары Эдди Андраде и Оскара Эрнандеса переплетаются в сложные, но всегда мелодичные узоры. Вокалист Альберто Алькарас, переключившийся с гитары на клавишные, демонстрирует впечатляющий диапазон — от почти оперного пафоса в духе Мессии Марколина из Candlemass до более театральных интонаций.

И всё же, при всей этой безупречности, Ready For The Grave оставляет странное чувство. Это альбом, настолько преданный своим корням, что временами рискует превратиться в музейный экспонат. Группа прошла путь от подражательства к «своему» звучанию, но «своё» здесь означает скорее идеальную кристаллизацию чужого. Влияния Candlemass, Pentagram, Trouble и Black Sabbath настолько очевидны и настолько мастерски воспроизведены, что возникает вопрос: а где же сами Early Moods? За безупречным риффом «Inquisition», за эпичным размахом «Ashes of the Damned» — за всем этим стоит тень кого-то другого. Даже самые сильные моменты альбома вызывают скорее уважение к ремеслу, чем эмоциональный отклик. Это музыка, которой восхищаешься, но которую редко вспоминаешь после того, как пластинка закончилась.


#EarlyMoods #ReadyForTheGrave #DoomMetal #HeavyMetal #NWOBHM #Thrash

Vitriol - Suffer & Become (2024)

Suffer & Become — пластинка, вызывающая полярные мнения: одни называют её «следующим шагом в эволюции дэт-метала», другие — «бездушным техническим онанизмом». Истина, как это часто бывает, где-то посередине, но ближе к последнему.

Главное достоинство альбома — невероятная техническая подготовка музыкантов. Гитарные партии Кайла Расмуссена и Стивена Эллиса — плотный поток сложных риффов, диссонансных аккордов и головокружительных соло, не дающих слушателю ни секунды передышки. Барабанщик Мэтт Килнер играет так, будто у него не две руки и ноги, а как минимум вдвое больше: бласт-биты и постоянные смены темпа создают ощущение хаоса. Вокал, разделённый между Расмуссеном и басистом Адамом Ротлисбергером, представляет собой смесь гроула и скрима, идеально вписывающуюся в общую эстетику. «Shame and Its Afterbirth» начинается с неожиданно психоделической гитары, прежде чем обрушиться в пучину блэкенед-дэт-метала. Инструментальная «Survival's Careening Inertia», где группа на мгновение позволяет себе немного мелодии и даже испанской гитары, по иронии судьбы становится единственным треком, который запоминается после нескольких прослушиваний.

Однако за технической безупречностью теряется сама музыка. Группа создаёт звук, который критики называют «стерильным» и «статичным». Гитары доминируют настолько, что бас Ротлисбергера практически не слышен, а барабаны звучат механически и безжизненно. Альбом требует от слушателя предельной концентрации, но не вознаграждает за неё запоминающимися мелодиями или эмоциональной глубиной. Треки сливаются в один непрерывный поток бласт-битов, и к середине становится трудно отличить один от другого.

Сам Расмуссен описывает Suffer & Become как попытку создать альбом с «резкой двойственностью» — очень высокими вершинами и очень низкими падениями. Реальность же такова: музыка настолько поглощена собственной сложностью и агрессией, что любые проблески света в ней тонут без следа.
Suffer & Become — альбом для узкой аудитории. Для фанатов техничного дэт-метала, ценящих скорость, сложность и брутальность превыше всего, здесь есть что послушать. Но для тех, кто ищет в музыке не только мастерство, но и душу, этот альбом рискует остаться холодным и безликим упражнением в технике. Это не провал — музыканты слишком талантливы для этого, — но и не тот прорыв.


#Vitriol #SufferAndBecome #TechnicalDeathMetal #DeathMetal #ProgressiveDeathMetal #BrutalDeathMetal #ExtremeMetal #2024Album

All Them Witches - Lightning at the Door (2013)

Квартет All Them Witches выпустил Lightning at the Door в 2013 году — всего через год после дебютного Our Mother Electricity, и этот альбом стал моментом, когда группа из подающей надежды превратилась в силу, с которой нужно считаться. Записанный вживую за несколько дней с продюсером и инженером Энди Патнэмом в студии Harriet Court Yacht Club/Dojo, он звучит как выхваченный из тьмы, а не как стерильно сведённый продукт. Восемь треков, сорок пять минут — и ни одной лишней секунды.

Открывающий «Funeral for a Great Drunken Bird» — ритуал входа. Низкие дум-риффы, триповая губная гармошка и слова, произносимые почти шёпотом, создают ощущение, что ты переступаешь порог тёмного и манящего места. «When God Comes Back» — уже чистый адреналин, где риффы в духе ранних Queens of the Stone Age сталкиваются с блюзом, идущим от Роберта Джонсона. Вокалист Майкл Паркс звучит как проповедник, предвещающий нечто чудовищное, и в этой роли он убедителен настолько, что забываешь дышать.

Настоящее сердце альбома — «Coyote Woman» в двух частях. «The Marriage of Coyote Woman» — медленный похоронный блюз с органом, который просачивается сквозь гитарные переборы, напоминая одновременно Pink Floyd и Blue Cheer. «The Death of Coyote Woman» — восьмиминутный трип, где ритм-секция Робби Стэблера и Паркса работает как единый механизм, и ты просто позволяешь этой волне нести тебя, не задавая вопросов. «Charles William» — ещё одна жемчужина, где гитара Бена Маклауда и кристально чистый бас создают балладу, звучащую одновременно нежно и зловеще. А финальный «Mountain» начинается как тихая блюзовая молитва и вырастает в нечто массивное, оставляя после себя ощущение, что ты пережил нечто большее, чем просто прослушивание альбома.

Слабость Lightning at the Door — в том, что он не пытается быть чем-то большим, чем он есть. Это не концептуальный опус и не попытка раздвинуть жанр. Это просто очень хорошо сыгранный, атмосферный и честный рок, в котором каждый инструмент находится на своём месте. Но иногда этой честности не хватает искры, которая превратила бы хороший альбом в незабываемый. Некоторые треки — в частности, «Swallowed by the Sea» с его восьмиминутной продолжительностью — рискуют утонуть в собственной атмосфере, не предлагая достаточно контраста, чтобы удержать внимание до конца.

Lightning at the Door — крепкая, зрелая работа группы, которая нашла свой голос и не боится им пользоваться. Это альбом для тех, кто ценит блюз, психоделию и тяжесть в равных пропорциях, и для тех, кто понимает, что иногда лучший способ рассказать историю — просто позволить музыке говорить за себя.


#AllThemWitches #LightningAtTheDoor #StonerRock #PsychedelicRock #BluesRock #DesertRock #HeavyPsych #2013Album

PRESIDENT - Blood of Your Empire (2026)

Британский коллектив PRESIDENT ворвался на сцену в 2025 году, окружив себя ореолом загадочности — маски, минимализм и успешный EP King of Terrors, собравший десятки миллионов стримов. Их дебютный полноформатник Blood of Your Empire должен был стать моментом истины, когда интрига либо раскрывается в музыке, либо остаётся единственным поводом для обсуждения. И вот он здесь — альбом о кризисе веры, экзистенциальной тоске и тёмных сторонах религии, который звучит как идеально упакованный продукт, но внутри оказывается куда менее интересным, чем его обёртка.

Напряжение между светом и тьмой, состраданием и кровопролитием нашло отражение в тягучей, кинематографичной атмосфере, где металкор сталкивается с электроникой. «Dark Heaven» стала квинтэссенцией этой идеи: трек начинается с лёгкой морской качки, чтобы обрушиться на слушателя электронными битами и припевом о поиске бога в мире, где корысть носит маску праведности.

«Sleepwalker» — ещё один яркий пример, демонстрирующий, что группа способна на красивые мелодии, когда отказывается от излишних эффектов.
Однако, несмотря на эти вспышки, Blood of Your Empire — не «новая эра тяжёлой музыки», а скорее качественно сделанный, но до боли знакомый продукт. Музыка PRESIDENT часто «жестикулирует» в сторону метала, но не совершает в него полного погружения, оставляя ощущение поп-музыки с не до конца реализованной тяжестью. Вокал, хоть и стал более «сырым» по сравнению с дебютным EP, часто скатывается в усталую, пост-малоуновскую манеру, которой не хватает убедительности, чтобы продать всё это искреннее страдание.

Blood of Your Empire — альбом, который порадует фанатов современного поп-метала. Он имеет право на существование и даже на определённый коммерческий успех, учитывая мощную маркетинговую кампанию. Но для тех, кто ищет в музыке нечто большее, чем просто саундтрек к сериалу, эта пластинка рискует пройти незамеченной, растворившись в ряду похожих релизов. Это работа, которая подтверждает статус группы как продукта своего времени, но не предлагает ничего, что могло бы пережить этот самый хайп.

#PRESIDENT #BloodOfYourEmpire #Metalcore #AltMetal #ElectronicMetal #IndustrialMetal

Kasabian - ACT III (2026)

Kasabian, пережив в 2020 году неожиданную смену вокалиста и перезагрузку, к середине двадцатых окончательно обрели новую форму. Их девятый студийный альбом Act III завершает трилогию, начатую The Alchemist's Euphoria и продолженную Happenings. По словам лидера Серджо Пидзорно, этот релиз ставит точку в целой «кровавой опере» — шестилетнем периоде трансформации, который привёл группу к данному моменту. Act III действительно звучит как итог: он вбирает в себя фирменный саунд Kasabian и добавляет к нему новые оттенки, пусть и не всегда идеально выверенные.

В отличие от многих коллег, Kasabian не пытаются казаться молодыми и злыми — они звучат уверенно и экспериментально. В Act III есть место и психоделическим текстурам, и дэнс-року, и даже хип-хоповому груву. Особенно выделяется трек «Superpowers», где группа меняет рок на лощёный R&B с скользкими синтезаторами, вдохновляясь подростковым увлечением Сержа Snoop Dogg-ом. А мрачный «Nothing Better Than This» с глубоким басом и готическим оттенком — идеальный хит для фестивальной толпы.

И всё же, при всём этом изобилии идей, Act III иногда ощущается скорее как сборник удачных треков, чем цельное полотно. Где-то энергия провисает, а попытка объять слишком многое — от танцевальной электроники до психоделического рока — приводит к тому, что отдельные композиции не получают должного развития. Альбом, заявленный как «третий акт», иногда напоминает скорее отдельный спектакль, где одни сцены удались лучше других. Но когда Kasabian находят свой ритм, становится понятно, что они всё ещё способны удивлять и заряжать той энергией, за которую их полюбили два десятилетия назад.


#Kasabian #ActIII #AlternativeRock #IndieRock #PsychedelicRock #ElectronicRock #Britpop #2026Album

Mastodon - Marrow Deep (2026)

Mastodon пережили потерю, которая могла бы сломать любую группу. В августе 2025 года сооснователь и гитарист Брент Хайндс ушёл из жизни в результате несчастного случая на мотоцикле, спустя всего несколько месяцев после громкого и неоднозначного ухода из коллектива. Marrow Deep, выходящий 28 августа 2026 года на Loma Vista Recordings, стал их первым альбомом в этом новом мире. Это пластинка не о горе. Это альбом о том, как не застывать в скорби, а идти вперёд, превратив гнев и боль в прямолинейную и сокрушительную музыку — возможно, самую мощную со времён Blood Mountain.

Marrow Deep — это ясность и сила. Вместо того чтобы пытаться подражать прошлому, группа сделала ставку на обновление. Место Хайндса занял канадский гитарист Ник Джонстон, а в состав также вошёл клавишник Жуан Ногейра — и эта новая химия сработала. Альбом открывается «Barbarians Blood» — треком, где тяжёлые, пропитанные сладжем риффы сталкиваются с клавишными аккордами. «Poisonous Weapons» и «Out Like a Lamb» показывают, что Джонстон не пытается копировать Хайндса, а привносит собственную агрессию и виртуозность, идеально вписываясь в механизм группы.

За этим звуковым буйством стоит продюсерская команда: сами Mastodon вместе с Куртом Баллу (Converge, High on Fire) и неожиданным выбором — Патриком Бергером (Robyn, Charli XCX) — создали невероятно чистый, но при этом живой и мощный саунд, где ударные и бас звучат объёмнее, чем когда-либо.

Marrow Deep — о том, что Mastodon обрели новую форму, сохранив прогрессивный дух, но добавив к нему первобытную ярость. Единственное, что немного огорчает: в этом стремлении к прямоте иногда теряется та извилистая, непредсказуемая сложность, которая делала их лучшие альбомы по-настоящему интересными. Но когда песни настолько цепляют и бьют так сильно, это кажется лишь мелкой придиркой.

#Mastodon #MarrowDeep #ProgressiveMetal #SludgeMetal #HeavyMetal

Ninajirachi - I Love My Computer (2025)

I Love My Computer технически является дебютным альбомом Ninajirachi, но это далеко не первый её опыт. Она выпустила несколько EP и синглов, получила международное признание, играла на фестивалях и выступала на разогреве у Charli XCX — к 25 годам она уже создала себе громкое имя. I Love My Computer ощущается как кульминация этого пути: это предостерегающая ода её компьютеру — к лучшему или к худшему, неотъемлемой части современного музыкального производства и всей нашей жизни.

«Эм, хочешь это послушать?» — первое, что вы слышите в «London Song», и этот семпл повторяется на протяжении всего альбома, приглашая слушателя в цифровой мир Ninajirachi. Повторяющиеся семплы, цепляющие припевы и невероятные танцевальные дропы создают фирменную атмосферу. Артистка сохраняет энергию на протяжении большей части альбома, отказываясь от перекоса в сторону гиперпопа в пользу концентрации на создании EDM-хитов.

Воспроизведение семплов, смена BPM и плавные переходы между треками звучат как профессиональный диджей-сет. Ротация хауса, техно и поп-музыки охватывает первые пять композиций, пока «ฅ^•ﻌ•^ฅ» не вводит акустическую гитару и ненадолго не замедляет темп перед эпическим возвращением в «All I Am».
Ninajirachi создала один из лучших и самых обаятельных танцевальных альбомов прошлого года. Её сложный и часто меняющийся продакшн остаётся достаточно близким к традиционному EDM, благодаря чему гиперпоп-моменты с их резкими звуковыми отклонениями кажутся более приглушёнными, превращая причуды жанра в мастерский продакшн.

Энергичный I Love My Computer готов сотрясать колонки в клубах по всему миру своими хуками и диджей-ориентированными бопами, в то время как его честность, невинность и очарование заставляют возвращаться к пластинке снова и снова.

#Ninajirachi #ILoveMyComputer #ElectronicMusic #ElectroHouse #Techno #TechHouse #Trap #SpeedGarage #Dubstep #Hyperpop #Trance #NeoTrance #EDM #Pop #GirlEDM #NLVRecords #2025Album

Jack White - Frozen Charlotte (2026)

В своей сольной карьере Джек Уайт несколько лет заметно метался, переключаясь между акустикой и эксцентричными экспериментами, вызывая крайне неоднозначную реакцию. Затем вышел No Name (2024) — одна из лучших современных рок-н-ролльных пластинок, устроившая примерно всех. По сути, это был White Stripes, но с более мощным звуком. Frozen Charlotte ощущается как сиквел, которого публика и просила.

Уайт продолжает разрабатывать ту же жилу замысловатого и напыщенного блюз-рока. Однако если прислушаться к тому, что скрывается под поверхностью этого умопомрачительного шума, становятся заметны некоторые различия — больше в настроении, чем в аранжировках. Джек Уайт стал злым. Что бы ни вызвало эту перемену, для музыки она оказалась благом: звук остался таким же захватывающим, но приобрёл сокрушительный оттенок.

Что же его так расстраивает? Те же вещи, которые с незапамятных времен вызывали гнев рокеров: девушка, поступившая с ним несправедливо, непостижимый Бог и любопытствующие взгляды посторонних. Уайт чередует тревожные экзистенциальные вопросы о самой природе бытия с более приземлёнными жалобами на отношения, пошедшие наперекосяк.

И всё это выплескивается в форме безумного рок-н-ролла, упакованного в короткие треки. Из тринадцати песен лишь одна длиннее четырёх минут, а несколько держатся на отметке около двух с половиной. Однако Уайт втискивает так много в каждую композицию, что ни одна не кажется по-настоящему компактной. Соло здесь почти все столь же короткие и совсем не нежные — у Уайта есть манера заставлять гитару звучать скорее как злой терменвокс, чем как традиционный инструмент.

#JackWhite #FrozenCharlotte #GarageRock #BluesRock #ClassicRock #HardRock #AlternativeRock #IndieRock #ThirdManRecords #2026Album

Вы слушаете одну из самых часто используемых мелодий в истории поп-культуры и мирового кинематографа. Эта знаменитая тема — «El Bimbo», оригинально исполненная афганским артистом Ахмадом Захиром, но ставшая глобальным феноменом, когда в 1974 году её выпустила французская диско-группа Bimbo Jet.
Хотя оригинал имел яркий, тропический, праздничный оттенок, тонкость, придающая песне её стойкую запоминающуюся привлекательность, исходит от гения французской музыки в жанре easy-listening — Поля Мориа. Мориа переработал пьесу со своим оркестром, превратив сырые диско-ритмы в классическую, стильную симфоническую поп-композицию.
Исполнение, запечатлённое на ностальгическом телевизионном скриншоте 1970-х, ясно демонстрирует врождённый талант Мориа к выбору инструментов. Отходя от традиционных классических оркестровых форм, артист поместил в центр произведения электрический клавесин. Мелодичное струнное сопровождение, известное как «шёлковые струнные», в сочетании с мягким диско-ритмом сделало эту песню знакомым звучанием на радио по всему миру.
Умелое сочетание элементов вознесло Мориа на вершину мировых чартов, создав настоящий ажиотаж, особенно в Японии. Он гастролировал по стране 28 раз и вошёл в историю как единственный иностранный артист, давший два аншлага в знаменитом Nippon Budokan в один и тот же день.
В либеральную эпоху 1980-х, когда ограничения авторских прав в значительной степени игнорировались, это произведение, хотя и не привязанное к конкретному фильму, впечаталось в нашу память яркими образами. Оно стало неизменной фоновой музыкой для сцен в барах элитных отелей, на вечеринках на крышах и, что самое важное, в моментах, когда богатые злодейские персонажи, сыгранные Нури Алджо, отправлялись в плавание на своих лодках.
Турецкий музыкальный мир не остался в стороне: пока Сельчук Урал исполнял «Ah Sevgili» с текстом Фекри Эбджоглу, Танджу Окан со своей уникальной, мощной и эмоциональной интерпретацией навсегда вписал эту мелодию в историю турецкой поп-музыки с песней «Şerefe».