Продолжаем Новогодний марафон интересных штук. ⛄️⌚️🎹

Пришла мне в голову тема о тех композиторах, которые опередили своё время, сами не зная о том. Безусловно, ничего не выходит из пустоты и у каждой нотки есть свой основатель, а каждая нотка перетекает в стиль определённого времени.

На премьере балета «Щелкунчик» в 1892 г., Пётр Ильич Чайковский впервые применил франко-английский «небесный» инструмент Челеста (Celesta), привезённый для него из Парижа.
Звучащий, как звон бокалов, этот звук произвёл колоссальное впечатление на зрителей той премьеры, во время танца Феи Драже. В зале раздались возгласы удивления и восхищения уже с первых ударов (скорее, ударчиков бокалов друг о друга).

Надо отметить, что в те времена, публика была не столь сдержана, как можно подумать сегодня. Каждая премьера была большим риском для создателей. Публика могла громко выказать своё восхищение прямо в разгар представления. Но могло произойти и обратное – публика могла закидать гнилыми овощами артистов, а создателей разорить и пустить по миру, без преувеличений.

К счастью, Петр Ильич с этим не столкнулся.
А применение Челесты был самый настоящий саунд-дизайн нового уровня.

Все основные инструменты, на тот момент, были уже изобретены и обкатаны. Но Пётр Ильич проявил свои гениальные способности и не стал довольствоваться тем, что есть.

Думаю, если бы не было Челесты, то Пётр Ильич применил бы пиццикато. Было бы не то, но этого никто бы никогда не узнал.

Кстати, именно музыка из партии Феи Драже с Челестой, хорошо ложится на Trap. Уже столько ремиксов сделано.

Я не представляю, как такой громоздкий, но хрупкий инструмент пёрли из Парижа?)) Даже не заходя на сайт, Пётр Ильич заказал доставку до двери. Кто знает, может он ещё был и первым заказчиком доставки до двери. 

1965 – 1977 гг. Шестая часть оркестровой сюиты «Время, вперёд!» советского композитора Георгия Свиридова. Там идёт классная партия фортепиано, которая и по темпу, и по стилю легко переводится в Техно. Именно этот кусок произведения Свиридова был почти запрещён на ТВ, как сильно тревожный.

Эта сюита была создана Свиридовым для фильма с таким же названием «Время, вперёд!».

Сам фильм копия «Золотого телёнка», снятого этим же режиссёром чуть позже, с теми же актёрами, в той же одежде, и с теми же манерами и фразами, но про большую стройку.

А вот партия пиано настоящее техно, как и вся композиция. Там одновременно бас играется левой рукой на контроктаве. Этот бас заменить на электронный, да техно бочку туда, и всё - остальное убавлять даже не надо.

Я уверен, что электронные продюсеры с запада знали и слушали эту композицию. Ну и, конечно, использовали темы и фишки у себя.  

Алексей Рыбников в песне «Буратино. Финальная.» сделал темп и ритм, ну прям реальный D'n’B.

Конечно, в те времена, композиторы уделяли большое внимание мелодии и гармонии, а в силу духа того времени и технических факторов, сведение барабанов было на вторых местах. Но это всё навёрстывается уже современными продюсерами.

Я как-то сижу и, вдруг, вспомнил эту песню, а минуту назад D'n'B набивал. Ну, прям, зашло. В фантазиях, конечно. На деле совместить будет непросто. Тем не менее мысль Drum'n'Bass продюсера у Рыбникова была. Можете попробовать.

Можно также сказать, что, он же, Алексей Рыбников, является первым Trance продюсером. Послушайте песню «Млечный путь» из кинофильма «Большое космическое путешествие». Вокальная партия оттуда отлично ложится в Trance или Melodic Techno.

Что интересно, в его работах из цикла «Музыка космоса» мало использовались электронные инструменты, а музыка всё равно была космической. Когда как у Эдуарда Артемьева музыка была реально электронной, а использовалась не в космических фильмах.

Гении… 

Думаю, все знают, что такое роллинг бас – пульсирующий бас, который из Диско Джорджио Мородера основательно обосновался в Techno.

Так вот, предвестником такого баса был Джоаккино Россини в каватине Фигаро из оперы "Севильский цирюльник".

Партии баса там, безусловно, нет. Но если перевести вокальную партию Фигаро в ноты, то получим очень близкую к пульсирующему басу тему.
Сама партия Фигаро – это и есть пульсирующая скороговорка, исполнить которую очень и очень непросто.

Просто мысленно воспроизведите эту партию каким-нибудь синт басом. А если не лень, так вообще набейте в Пиано Роле.

Как раз, на премьере Севильского цирюльника, публика засвистела, запутав самого Россини. Он думал, это крики и свист, потому что не понравилось, а было, как раз, наоборот – зал был в восторге. Россини, значит, спрятался в своём номере, а публика его не дождавшись и решив, что он ими пренебрёг, пошла бить стёкла его номера.

Россини был богат и как композитор, и как инвестор. В Англии он удачно вложился в ценные бумаги значительно преумножив своё состояние.  

Посадка музыкантов в оркестровой яме была отточена методом проб и ошибок в течение многих десятилетий, если не столетий. Но именно Гленн Миллер был тем, который впервые подошёл к расположению музыкантов с иной точки зрения.

Он впервые определил, что восприятие каждого звучащего инструмента в оркестре зависит от его позиции по отношению не просто к слушателю, а его уху. Т.е. он попросту определил пространство, в котором были и левый, и правый каналы, и центр.

Надо понимать, что тогда джазовые, эстрадные оркестры располагались либо по принципу симфонического оркестра, либо по принципу солирующего инструмента.

Солирующими хотели быть все, поэтому, понятно, что это был творческий хаос.

Глен Миллер стал рассаживать музыкантов подобно звукоинженерам, которые на консолях, располагая каналы лево/центр/право, гораздо позднее.

Именно это новаторство подготовило специалистов звукозаписи к правильному балансу. Точнее не правильному, а интересному. Если кто не знал, но на заре стерео записи, звукоинженеры увлекались крайними положениями аудио сигнала по каналам. Позже, они столкнутся с эффектом противофазы. Но это уже другая история.

Послушайте записи 40-х и 50-х – там в левом ухе вокалист, а в правом – бас.
Гленна Миллера, многие знают по фильму «Серенада солнечной долины», где звучит эта одноимённая композиция.

Он был инноватором во многих областях. Например, то, что принято было играть саксом, он просил играть на кларнете. Это всего лишь маленький пример.

Его саунд так и не смогли повторить. Но завидовали ему сильно и называли попсовиком. Как он смел заменять одни инструменты другими? Раз положен сакс, не бери кларнет! И главное, не будь популярен на танцполах, ты ведь джазовый музыкант! 

Это произведение удивительно по многим параметрам. Хотя это произведение создано специально для танца в балете 1928 году, Равель написал его под впечатлением движения машин, станков и людей, увиденных им на заводе его отца.

Именно поэтому Равель не допускал изменения темпа композиции с самой первой ноты до последней. С самого начала это был настоящий индастриал, основанный немного немало на лупе, но не в записи, а в живой игре. Если бы у этого композитора был во владении компьютер и драм машина, то, как минимум, от живой игры барабанщиков он бы отказался.

Дело в том, что такую луповую музыку основанную на квадратах, не восприняли дирижёры. Они начинали в низком темпе, постепенно ускоряясь, а завершали в максимально возможном быстром темпе. Морис Равель пресекал эти попытки, но со всей шарагой дирижёров он справится, конечно, не мог. В итоге, в мире записано множество вариаций по темпу, и, как результат, разный хрон – от 11 до 18 минут.

Сам Равель дирижировал своё творение чётко и ровно, как драм-машина.
Плюс, он там конкретно надизайнил саунд. В каждой партии играли ряд инструментов, строго синхронно.

Впервые в симфоническом оркестре были применены саксофоны, которые совсем не одобрил Прокофьев. Он назвал саксофон в «Болеро» дрянью, вульгарным звучком и, даже, клоуном. Ему же не понравилось постоянный повтор темы, т.е. этот луп, а также неизменность темпа, т.е. драм-машины. В общем, ему не понравился EDM. А это был настоящий EDM в том времени, но из будущего.

Критики нашли в «Болеро» восточные мотивы, но Морис Равель в Болеро создал отнюдь не а-ля Арабские мотивы, а индустриальное движение человечества. Как раз, это произведение перекликается с «Время вперёд» Свиридова. Тем не менее, уже в те времена, многие увидели там именно восточные мотивы, которые потом использовались композиторами более смело, дойдя до наших дней в хип-хопе или Trap.

⏳🕛🎹

Всё. Больше никого не вспомнил.
Много, конечно, таких первых, но я вспомнил только этих.

Кстати, про Моцарта хотел упомянуть, но, к своему стыду, не знаю его творчество настолько хорошо, чтобы найти у него что-нибудь в этом ключе.

Если что, пишите, может быть, ещё кто на ум придёт.

Эта информация не из интернета и не написана GPT. Просьба ко всем серьёзным не относится к ней серьёзно.